История создания бюста пушкину в париже кратко

История русской рок-музыки

Западная мода дошла и до Советского Союза. Новое направление было принято не сразу. Первые концерты в стиле рок-н-ролл проходили в небольших помещениях, а выступали в основном любители. Коллектив «Поющие Гитары» стал первым официальным проектом тяжелой музыки в СССР. Группа была основана в 1957 году и сразу начала активно выступать на мероприятиях, знакомя русскую публику с роком. Однако стиль все еще не признавался советскими слушателями. Качественные записи и сложные композиции требовали дорогих инструментов. Отсутствие топового оборудования стало серьезной преградой для развития рока в русской культуре.

Расцветом рок-н-ролла в Советском Союзе считается период с 80-х по 90-е. В 1981 открылось первое заведение, посвященное новому направлению. В Ленинградском рок-клубе начали записываться группы “Машина времени”, “Автограф и Магнетик Бэнд”. Эти коллективы уже были известны публике своим выступлением на фестивале тяжелой музыки «Тбилиси-80», проведенном годом ранее. Музыканты с необычным стилем исполнения стали попадать на радиостанции и сниматься в программе “Музыкальный ринг”. Именно в этот период появились “Круиз”, “Земляне” и “ДДТ”.

Очередной удар по рок-культуре пришелся на середину 80-х, когда правительство запретило любительским группам выступать на концертах. Нарушение правил считалось попыткой получить нелегальную прибыль и грозило тюремным заключением. Выступления “Воскресенья” и “Браво” не раз были закрыты милицией. Доходило даже до арестов, например, во время одного несанкционированного концерта была арестована Жанна Агузарова, исполнительница группы “Браво”.

Интересный факт!

Большинство композиций записывалось в гаражах и квартирах. Культовая песня «Наутилуса Помпилиуса» “Я хочу быть с тобой” была записана на квартире у одного из основателей — Дмитрия Умецкого.

Попытки государства избавиться от западных течений не увенчались успехом. Рок-музыка превратилась в пропаганду свободы. Люди начали слушать композиции и записывать активнее, борясь за право наслаждаться любимым направлением. Не помогли и массовые расформирования зарегистрированных коллективов, которые добавляли в свои записи рок-н-рольный стиль. В 1985 году правительством было принято решение о создании “Московской рок-лаборатории” в качестве компромисса. Так музыканты получали возможность выступать на концертах, зарегистрировавшись в учреждении. Группы стали легальными, а государство могло контролировать их деятельность. Вместе с нововведением в стране появился новый стиль — нью-вейв. Его исполнители, например, “Кино” и “Алиса”, быстро нашли отклик у публики. Вместе с ними популярность пришла к “Наутилусу Помпилиусу”, “Бригаде С” и “Зоопарку”.

Сегодня самыми популярными исполнителями рока в России считаются:

1. “Кино”.
2. “ДДТ”.
3. “Наутилус Помпилиус”.
4. “Алиса”.
5. “Машина Времени”.
6. “Агата Кристи”.
7. “Аквариум”.
8. “Чайф”.
9. “Ария”.
10. Земфира.

Винченцо Беллини. Опера «Норма»

Жизнь итальянского композитора Винченцо Беллини не была долгой – лишь тридцать четыре года было отпущено ему. Тем не менее, он успел стать признанным мастером бельканто, создав немало опер.

Но, вероятно, его имя было бы навеки вписано в историю итальянской оперы, если бы даже он создал лишь одно произведение – оперу «Норма».

Ее автор и сам ценил выше прочих своих творений, утверждая, что «Норма» – единственное произведение, которое следовало бы спасать в случае кораблекрушения.

В этой трагедии любовная история разворачивается в Галлии, находящейся под властью римлян – и такая ситуация становится прекрасным поводом для того, чтобы показать вечный конфликт между чувством и долгом.

Заглавная героиня идет против долга дважды: во-первых, она влюблена в римлянина – врага своего народа, во-вторых, Норма нарушает обет безбрачия, который обязана соблюдать, будучи жрицей.

Страдающая от чувства вины и брошенная любимым, она готова убить собственных детей, тайно рожденных от него, но в конечном итоге предпочитает осудить саму себя на сожжение… И пусть такой сюжет отнюдь не идеально соответствует историческим фактам – для оперы он подходил прекрасно.

Трагедия Л.А.Сомэ привела композитора в восторг, и созданное на основе ее либретто Феличе Романи стало для него источником множества вдохновенных страниц.

Обратите внимание

Мелодии – то элегические, то страстные – как всегда у Беллини, прекрасны, в них органично вплетаются фиоритуры, и эти причудливые вокальные кружева совсем не кажутся «техникой ради техники» – хотя от исполнителей вокальные партии «Нормы» требуют многого.

Слушателя захватывает уже увертюра, соотношение мелодий в которой выражает главный конфликт оперы – между любовным чувством и воинским долгом (о нем напоминает маршеобразная тема), вплетается в увертюру и материал хора друидов. Увертюру эту нередко исполняют отдельно – в концертах.

Не в меньшей степени впечатляют и последующие страницы оперы: доверительный и чистый дуэт Нормы и Адальджизы, терцет этих героинь и Поллиона, который основывается на одной объединяющей теме, исполненная гнева ария Нормы, ее речитативная сцена с детьми («Оба заснули…»), страстно-гневный хор жриц из второго акта, призывающий к восстанию…

Но подлинной «вершиной» оперы, самым знаменитым ее фрагментом стала, несомненно, ария «Casta diva» («Непорочная богиня») – молитва Нормы, обращенная к богине Луны.

На фоне размеренного сопровождения разворачивается мелодия, в которой чудесным образом сочетаются величественное спокойствие и стон страдающей души: Норме предстоит принять непростое решение – поднять восстание или нет, пойти против своего народа – или против любимого… душевное смятение героини, которую положение обязывает быть бесстрастной, оттеняют статичные фразы хоры, на фоне которых причудливо льются фиоритуры сопрано… поистине страшно представить, что этого шедевра бельканто могло не быть!

Показывая ей готовую арию, Беллини был готов снова ее переделать или даже исключить, если певица скажет, что исполнить ее невозможно… да, автор понимал, какую непростую задачу он ставит перед первой и всеми последующими исполнительницами: широкая, «бесконечная» мелодия в диапазоне сексты, а затем и октавы, расцвеченная многочисленными группетто, льется почти без пауз… Публика и той эпохи, и последующих времен должна быть благодарна певице, которую эти трудности не испугали – благодаря чему сегодня можно наслаждаться этой божественной арией… Она стала не только самым популярным номером «Нормы», но и самой известной страницей творчества Беллини вообще – даже биографический фильм о композиторе, созданный в 1956 году итальянскими и французскими кинематографистами, получил заглавие «Casta diva».

Премьеру оперы «Норма», состоявшуюся в «Ла Скала» в декабре 1831 года, сам Беллини оценил как «торжественное фиаско». Но уже на втором представлении публика горячо аплодировала, и в первом сезоне опера была исполнена тридцать девять раз.

Первой исполнительницей заглавной роли стала, разумеется, Джудитта Паста. Блистала в этой партии и Мария Малибран – даже памятник в бельгийском городе Лейкене изображает певицу в образе Нормы.

Лучшей Нормой ХХ века стала Мария Каллас.

Музыкальные Сезоны

Все права защищены. Копирование запрещено

Надо знать: памятники писателям и поэтам

В России находится около сотни памятников Пушкину. Первые появились в Москве, Петербурге и Одессе. Первые два сделал Александр Опекушин, талантливый скульптор, создавший, среди прочего, памятники Александру Второму и Александру Третьему (оба не сохранили).

В Петербурге первый памятник работы Опекушина появился в сквере на Пушкинской улице в 1884 году. По сей день это один из самых скромных памятников поэту. Сквер, где он находится, стал излюбленным местом для здешних гуляк.

Впервые памятник Пушкину на этом месте открыли в 1887 году, на 50-летие со дня дуэли. Тогда это был небольшой и скромный бюст. В 1937 году здесь открыли памятную стелу и реконструировали сад. К слову, долгое время на станции «Новая Деревня» находилась и памятная доска, установленная там в 1949 году. Ее обнаружили в 1999 году и реконструировали.

Адрес
Сад между Коломяжским проспектом и улицей Матроса Железняка

Многократно тиражируемый на открытках и картинках, памятник поэту напротив Русского музея был установлен в 1947 году. Это была первая крупная работа молодого скульптора Аникушина, который позже стал автором еще нескольких изображений поэта (в том числе на станциях метро «Пушкинская» и «Черная Речка»), а также памятника Ленину на Московской площади. 

Работа скульптора Яковлева, выполненная еще в 1940-е годы: задумчивый и усталый писатель сидит на стуле с книгой в руках. Власти долго не могли определиться с местом для установки памятника. В итоге выбрали Пионерскую площадь возле строящегося Театра юного зрителя. Это место в городе никак не связано с биографией Грибоедова.

Установленный через десять лет после смерти баснописца, памятник Крылову стал одним из первых в мире памятников литераторам, установленных в общественном месте. Автором и постамента, и самой скульптуры являлся Клодт, автор знаменитых коней на Аничковом мосту. 

Важно

Клодт был скульптором-анималистом, и потому максимально скрупулезно подошел к изображению зверей-героев крыловских басен, ради чего он поселил большинство животных прямо у себя в мастерской.

В результате медведь, позировавший скульптору, спился: его угощали спиртным рабочие.

Только трех животных он не стал селить у себя: козла к нему водила знакомая старушка, а льва и слона он навещал в зверинцах.

Самого же Крылова Клодт изобразил не так подробно: огромный грузный престарелый мужчина сидит на камне с книгой.

Малая Конюшенная в 1996 году стала пешеходной улицей. Примерно тогда же у группы энтузиастов возникла идея воздвигнуть тут памятник Николаю Гоголю.

Создавал монумент скульптор Белов, ученик Аникушина. Гоголь получился у него мрачным, загадочным: лицо слегка прикрыто и повернуто куда-то в бог, тело сковано. Открыли памятник в 1997 году (на втором фото).

Адрес
Малая Конюшенная улица

Как ни странно, первый памятник Сергею Есенину появился в Петербурге только в 1995 году, к 100-летию со дня рождения поэта.

Скульптор Альберт Чаркин на деньги Благотворительного фонда имени Есенина создал десятки эскизов (на втором фото есть один из них), из которых выбрали тот, где поэт просто сидит на скамейке. В скором времени его установили у западного входа в Таврический сад.

Совет

Теперь к ногам поэта постоянно кладут цветы поклонники его творчества. Впрочем, есть и противники: в 2010 году памятник пришлось восстанавливать после нападения вандалов.

Один из самых странных памятников писателям в Петербурге, установленный во дворе филфака СПбГУ. Вместо постамента — чемодан с биркой на имя поэта, наверху — голова, без туловища. Многие поначалу были удивлены и даже возмущены подобным изображением поэта, но потом привыкли, да и во дворе филфака стоит и не такая дичь.

Адрес
Университетская набережная, д.11

Сейчас кажется, что этот памятник стоял тут целую вечность, но его установили только в 1997 году. 

При этом, первые его эскизы были созданы еще в 1956 году скульптором Любовью Холиной, но долгое время Достоевского считали чуть ли не реакционным писателем, и, несмотря на публикации многих его книг, ставить ему памятники не давали.

Когда в 1990 году власти объявили-таки конкурс на создание памятника, в нем победила Холина: ее Достоевский получился мрачным персонажем, тихо отдыхающим на лавочке посреди шумного Петербурга.

Адрес
Большая Московская улица

Еще один памятник поэту во дворе филфака. Со скульптурой Евгения Ротанова (автора Холма славы на берегу Невы) скандала не вышло, но Блок у него тоже необычный: страшно худой, нервный, слегка грубый и устремленный ввысь. Памятник открыли рядом с ректорским флигелем, где работал отец поэта, в 2002 году, к 100-летию его первой публикации.

Адрес
Университетская набережная, д.11

Из истории оперного жанра

Опера ассоциируется у знатоков музыки с Италией. Однако, как и многие виды искусства, зародилась она в античной Греции. Именно там сценическую речь впервые попробовали соединять с музыкой.

Позже в Риме увеличили долю сольных выступлений по сравнению с речитативами и разговорными вставками. Жанр стал по преимуществу музыкальным.

Временем настоящего рождения оперы справедливо считают другой период истории искусства, связанный с крупным явлением итальянской культуры рубежа 16-17 веков, получившим название Флорентийская камерата. В составе этого творческого содружества были лучшие музыканты и поэты Флоренции.

Нарушая традиции модной в ту эпоху полифонии, они ввели в свои спектакли лирическое одноголосие, стремясь подчеркнуть экспрессивность (что это?) поэзии средствами музыки. Новоизобретённый жанр был назван драмой через музыку.

Достопримечательности города Флоренции

Не случайно, что именно благодаря Флоренции появился термин «синдром Стендаля», который обозначает временное расстройство психики, вызванное соприкосновением с невероятно красивыми предметами искусства. После посещения флорентийской базилики Санта-Кроча Стендаль обнаружил, что его жизненные силы словно иссякли, ноги подкашиваются, сердце слишком часто бьется, не хватает воздуха. Вдобавок он вдруг ясно осознал, что жизнь его бессмысленна и ограничена на фоне красоты и мощи шедевров, которые он только что видел в базилике.

Даже у далеких от искусства людей Флоренция способна вызывать трепет и восторг. Плотность достопримечательностей поражает воображение. Старый город Флоренция, занимающий сравнительно небольшую площадь, включает в себя сотни достопримечательностей: разнообразных музеев и галерей, величественных соборов и всевозможных памятников, узких старинных улочек и широких площадей. Флоренция дышит эпохой Возрождения и полностью оправдывает названия города-музея.

Приезжать сюда на один-два дня – кощунство. Бесконечная вязь улиц Старого города с его бежевыми фасадами, уютными ресторанами и интересными магазинчиками может увлечь туриста на несколько дней и показать, каким город Флоренция был несколько веков назад. А ведь есть еще несколько достопримечательностей, которые ответственный путешественник ни за что не пропустит, ведь они являются символами города и составляют его прекрасный облик.

Первые попытки

В пятнадцатом столетии изобрели «волшебный фонарь» (камеру обскура). Эксперименты над данным изобретением проводил Леонардо да Винчи. С помощью «волшебного фонаря» можно было проецировать изображения на вертикальный экран. Широкое распространение данное изобретение получило в семнадцатом веке. Структура аппарата включала в себя ящик с увеличительной трубой и светильник, расположенный внутри. Сзади светильника был установлен отражатель. В пространстве между ящиком и трубой ставился кадр, который вырисовывался тушью. Однако такая техника не позволяла сделать изображение динамичным. Оно оставалось статичным.

Конечно же, возникла потребность в «оживлении» изображения, придания ему динамики. Решить эту задачу взялись Майкл Фарадей и его товарищ Макс Роджер. Фенакистископ — такое название приобрело устройство, созданное Фарадеем. К данному прибору прилагался ряд картинок, создающий движение. Известно, что ещё до Фарадея знаменитый учёный Жозеф Плато предпринимал попытки разложить движение на последовательные фазы. В разработке фенакитископа, Фарадею очень помогли труды Плато. Удалось создать движущуюся картинку, продолжительность которой несколько секунд. Однако это ещё нельзя было назвать реальным изображением.

Фенакистископ

В 1877 году была изобретена хронофотография, был предпринят третий шаг к созданию кинематографа. Учёные Луи Дагер и Жозе Ньепс сумели изобрести поистине гениальное устройство —  мокрый коллодионный процесс, имеющий высокую светочувствительность. Необходимо было заранее перед съёмкой готовить фотоматериал. В итоге, из-за достаточно высокой светочувствительности заметно уменьшилось время экспозиции. Но это стало существенным шагом к созданию быстрого движения.

хронофотография

Большую популярность фотография приобрела во второй половине девятнадцатого столетия. Люди стали хранить в своих домах фотоальбомы, куда они помещали фото родных и близких.

Следующий шаг к созданию кинематографа был совершен в 1876 году. Именно в это время было изобретено фотографическое ружье профессором Этьен Маре. Благодаря этому прибору стало возможным запечатление движений животных на вращающуюся восьмиугольную фотопластинку. Скорость составляла до десяти кадров в секунду. Впоследствии учёный изобрёл ещё одно устройство — хронофотографическую камеру, в основе которой была рулонная светочувствительная фотобумага. История создания кино перешла в новую фазу.

фоторужье

В столице Франции в 1876 году свою историю начал подкадровый кинематограф. Эмиль Рено изобрел оптический театр. Принцип устройства заключался в том, что через фонарь проходила плёнка, на которую были заранее нанесены рисунки. Был создан настоящий театр кадров, которые последовательно сменяли друг друга на большом экране. При этом, специально приглашали актёра, который комментировал действие. Несколько роликов (продолжительность каждого — несколько секунд) составляли «фильм». Однако технологии ещё не получили такого масштабного развития, чтобы стало возможным создание более длительных роликов.

Позднее была изобретена гибкая лента. Это стало возможным благодаря созданию Джоном Хайатом в 1870 году целлулоида. В 1877 году Иван Болдырев (русский фотограф) выдвинул идею широкого распространения и применения гибкой ленты. Позднее изобретатели из Америки Г. Гудвин и Джордж Истмэн на основе целлулоида создали прозрачную фотопленку. Затем изобрели прочную кинопленку, отличающуюся высокой эффективностью. Вот так началась история создания кинематографа.

Составляющие оперы

Оперу принято считать не только музыкальным, но и театральным жанром. Ведь актеры должны обладать не только прекрасными вокальными данными. Участники представления должны обладать и актерским талантом, чтобы люди, посетившие его, прочувствовали удивительную атмосферу постановки.

Опера представляет собой некую смесь, главными «ингредиентами» которой являются музыка, вокал, артистизм. Существует немало вариаций, которые отличаются от классической версии.

Это жанр с многовековой историей, из чего состоит опера. Музыкальное произведение делится на три части. Первая – это увертюра, или вступительная часть, которая задает соответствующее настроение публике. Исполняет ее оркестр.

Вторая часть — основная. Делится на несколько актов. Каждый из них, как глава книги. Между этими актами отдыхают не только актеры, но и публика, поскольку объявляется антракт. Существует два вида антрактов: короткие и длинные. Короткие длятся ровно столько, чтобы работники успели произвести замену декораций для следующего акта.

В таком случае занавес ненадолго опускается, а все зрители остаются на своих местах и ждут, когда закончится перестановка. Длинные антракты предоставляют достаточно времени не только для замены декораций, но и для отдыха. Зрители могут посетить буфет или прогуляться по зданию театра.

Основная часть делится на две: первую и основную – это сольные арии. Их исполняют актеры, которые исполняют роль определенных персонажей. Такие сольные выступления позволяют полностью раскрыть характер персонажей, понять их чувства.

Вторая часть называется литературной, ее основой выступает либретто — специальный сценарий, содержащий краткое содержание постановки в стихотворной форме. Иногда эти стихи пишут сами композиторы. К примеру, именно так поступал знаменитый Вагнер. Однако сейчас композиторы предпочитают возлагать работу по написанию либретто на специально обученных людей – либреттистов.

Заключительная часть представления – это эпилог. Самое время вспомнить о литературном эпилоге. Поскольку их функции абсолютно идентичны. В этой части подводится итог произведения. Иногда в качестве эпилога выступает история о том, как сложились в будущем судьбы героев.

Самые знаменитые оперы мира

Неподготовленному слушателю будет сложно проникнуться величием оперы. Перед началом представления будет полезно познакомиться с либретто произведения, чтобы представлять сюжет произведения.

Не лишним будет заглянуть на специальные музыковедческие сайты, рассказывающие об истории создания той или иной оперы, её авторах, любопытных фактах, связанных с ней.

Для тех, кто не слышал ещё ни одной оперы, можно порекомендовать выбрать что-нибудь для первого прослушивания из следующего списка:

1. Дж.Верди «Травиата», «Риголетто», «Аида».
2. В.А.Моцарт: «Волшебная флейта», «Дон Жуан», «Женитьба Фигаро».
3. Г.Гендель «Юлий Цезарь».
4. Ж.Бизе «Кармен».
5. П.И.Чайковский: «Иоланта», «Пиковая дама», «Евгений Онегин».
6. М.П.Мусоргский «Борис Годунов».

Разумеется, список можно и нужно дополнять.

Понте-Веккьо

Ни одно более-менее подробное описание города Флоренции невозможно представить без упоминания о Понте-Веккьо, что переводится с итальянского как Старый Мост. Первый деревянный мост на этом месте появился во времена римских ветеранов, основавших город. Дошедший до современников каменный Понте-Веккьо был возведен в далеком 1345 году. Он пережил наводнения, политические потрясения, бунты, революцию и Вторую мировую войну, во время которой были разрушены остальные мосты города.

Поначалу мост выполнял свою сугубо транспортную функцию, а затем на нем появились лавки мясников, которые выбрасывали отходы прямо в воды Арно. По всей округе постоянно расползалось зловоние, а мост в простонародье метко прозвали Вонючим. В 15-м веке на берегах реки начали появляться административные здания и дома знатных флорентийцев, которым очень не нравились запахи гнилого мяса. Вскоре мясницкие лавки исчезли, их место заняли респектабельные ювелирные магазины, а мост стали называть Золотым.

Над Понте-Веккьо проходит часть коридора Вазари. Эта полностью крытая галерея, длиной 750 метров, соединяет дворец Питти с палаццо Веккьо, проходя через галерею Уффици. Коридор был построен прославленным архитектором Вазари в 1564 году по заказу герцога Козимо Первого, который ценил безопасность и комфорт, вдобавок слуховые и обыкновенные окошки позволяли герцогу и его свите подслушивать разговоры простого народа, узнавать их желания и поводы для недовольства. Коридор Вазари превращен в один из лучших художественных музеев мира, на его стенах представлено около семисот полотен величайших живописцев 16-17 веков.

История возникновения жанра

Википедия предоставляет весьма обширную информацию о возникновении и развитии оперного жанра. Остановимся на значимых этапах. Родиной этого жанра является Италия. Жители этой страны знамениты не только своими макаронными изделиями.

Опера была известна еще во времена Древней Греции. Именно греки первыми начали совмещать сценическое искусство и вокал. Если сравнивать современную постановку с древнегреческой, то можно найти существенное отличие.

Ведь древние греки предпочитали в своих выступлениях просто чередовать пение с обычной речью. Если рассуждать на тему современной оперы, то она делает больший упор именно на вокальную часть.

Главной его особенностью стало использование исключительно одноголосых и мелодичных декламаций. Эта особенность помогала отличить жанр от полифонии, которая в те годы пользовалась особой популярностью.

Такая театральная постановка многим пришлась по вкусу. С помощью необычного для тех времен музыкального сопровождения удалось подчеркнуть чувственность поэзии.

В 1598 начинается активное развитие жанра, вниманию зрителей была представлена первая постановка. По крайне мере, специалисты называют именно эту дату. Считается, что в те времена зрители увидели постановку под названием «Дафна». В основу произведения легли стихи О. Ринуччини, а музыку написал талантливый композитор Я. Пери. К сожалению, до наших дней не сохранилось даже краткого содержания той постановки. Известно лишь ее название. Позже авторы представили еще одно произведение «Эвридика». Оно не только сохранилось до наших времен, но и считается старейшим произведением.

Настоящие ценители искусства считают, что это алмаз без огранки, но с ними согласны далеко не все, поскольку для большинства произведение представляет собой лишь отголосок прошлого, на который не стоит обращать особого внимания. Именно поэтому «Эвридика» более не ставится в театрах. Но зато огромной популярностью пользуется другая опера – «Орфей», написанная в 1607 году. Автором является знаменитый К. Монтеверди. Написана была пьеса специально для мантуанского двора. К Монтеверди лично обратился представитель рода Гонзага.

Жан Батист Люлли

Итальянец по происхождению (в детстве его звали Джованни Баттиста Лулли), Люлли еще в детстве, благодаря счастливому случаю, попал во Францию, где находился в услужении у сестры французского короля. Благодаря редким музыкальным способностям он стремительно сделал блестящую карьеру, став придворным композитором, пользующимся неограниченным доверием Людовика XIV.

Талант Люлли отличался редкой разносторонностью: он был превосходным скрипачом, организовавшим свой собственный оркестр («16 скрипок короля»), дирижером, композитором, танцором, балетмейстером, режиссером, руководителем придворного музыкального театра, для которого написал 20 музыкально-драматических произведений. Будучи современником великих французских драматургов – Корнеля, Расина, Мольера – Люлли активно сотрудничал с ними, особенно много – с Мольером, написав музыку к таким его пьесам, как «Брак поневоле», «Сицилиец», «Мещанин во дворянстве» и др.

Композитор называл свои оперные сочиненияи «лирическими трагедиями» (буквально: трагедия под лиру, то есть поющаяся, музыкальная). Их первым слушателем и почитателем был сам Людовик XIV, для которого они стали любимейшим зрелищем.

Среди опер Люлли наиболее известны «Ариадна», «Атис», «Армида», «Ацис и Галатея», «Тезей». Все они написаны на текст прекрасного поэта Филиппа Кино, который был бессменным либреттистом композитора.

Опера Люлли – это стройный по форме монументальный спектакль из 5 актов с обязательным прологом (итальянская серьезная опера была трехактной). Несмотря на общие с итальянской оперой–seria сюжеты (в основном мифологические), французская опера во многом отличается от нее:

• Ее основу составляет декламационный речитатив, родственный возвышенной, патетически приподнятой речи и гораздо менее гибкий и мелодичный, чем в итальянской опере. Свои речитативы Люлли сочинял, подражая размеренной патетической декламации лучших французских драматических актеров.
• Ария, игравшая в итальянской опере господствующую роль, заняла у Люлли более скромное место, служа небольшим завершением речитативного монолога. В музыке своих арий композитор зачастую использовал интонации бытовых французских песен.
• Комедийные сценки, столь популярные в Италии, во французскую лирическую трагедию не допускались. Развлекательная сторона заключалась в обилии балетных номеров (любовь к балету является национальной французской чертой). 5-й акт вообще представлял собой цепь танцев, в которых по традиции принимал участие сам король и королевская знать.
• Огромное значение во французской опере имели разнообразные по характеру хоровые эпизоды.
• Постановками лирических трагедий, предназначенных для королевского придворного театра, зачастую отличались чрезмерной роскошью и пышностью.
• На французской сцене практически не появлялись певцы-кастраты, столь популярные в Италии. Кроме того, здесь никогда не было диктата певцов.

В операх Люлли утвердился тип французской увертюры. Обычно она состояла из 2-х частей: медленно-величавого марша и быстрого, энергичного фугато (итальянская же увертюра XVIII века чаще всего строилась на контрасте 3-х частей по принципу быстро–медленно–быстро).

По стилю оперы Люлли тесно связаны с национальными традициями французской культуры, в первую очередь – с французским драматическим театром. Вместе с тем, многое в них противоречит правилам классицистской трагедии. Так, например, в либретто Кино среди действующих лиц почти всегда присутствуют боги и фантастические существа, встречаются ситуации, совершенно невозможные в драмах Корнеля и Расина; почти никогда не соблюдается классический принцип единства времени, места и действия. Всё это роднит французскую оперу XVII века с театром барокко.

Возникновение звукового кино

Как известно, ещё в девятнадцатом столетии Эдисон предпринял попытку синхронизировать кинескоп с фонографом. Однако эти стремления не увенчались успехом.

Ещё на ранней стадии развития кинематографа в различных странах пытались создать звуковое кино. Однако возникала проблема в синхронизации изображения и звука. Это стало серьёзным препятствием к созданию звукового кино. Помимо этого, стала ощутимой ещё одна проблема, заключающаяся в недостаточной громкости звука. Данную проблему научились решать, когда в 1912 году изобрели усилитель низкой частоты.

Вскоре научились записывать на одном носителе и фотографию, и звук. В результате, проблема с синхронизацией была решена.

Не секрет, что в 1926 году под руководством известной компании Warner Brothers были выпущены различные звуковые фильмы. Однако их содержание наполняли лишь музыкальные номера, поэтому они не обрели особой популярности среди зрителей.

Когда же изобрели кино со звуком? Официальным днем возникновения звукового кино является 6 октября 1927 года. В этот день состоялась премьера фильма «Певец джаза». Здесь впервые кроме музыкальных номеров появились небольшие реплики.

Певец джаза